BODY & SOUL IN THE SCULPTURE

With or without explanations or reasons to be in the inhuman, not human or human, it’s right that the contemporaneous sculpture doesn’t represent the children of Adão and Eva, neither masculine nor feminine, if not in academicals, amateur or exception. The man isn’t figured to live eternally… nor to dominate infinitely the terrene world. In times gone by the ideality Hellenics searched to sculpture the most perfect body to be God or an hero, but always model. Buried under the rubbish of the Roman Empire stayed the magic, stayed the power of the statue conferred the Imperial dominance or the nobility to the portrayed. Buried lied in ruins the portraits where the naturalism (now realist) obtained indeed to identify the individuality (what exciting eloquence from a patrician with busts of the ancestors, one in each not!). Renascence is the resurrection of the body – the soul doesn’t die. From the serenity, harmony, equilibrium of the body was broken going in the quest of visualization of the inquietude, the moving, the unbalance, the dynamic of soul. Being of the naturalist representation of the body (visible), we are going to search become visible the (invisible) soul, to do present the abstraction, to take apprehensible, experiencible empirical, sensorial the space-time, no longer dissatisfiedly only intelligible, not only idea a priori.


I remember the pertinent thought of Paul Klee “The art doesn’t represent the visible, becomes visible”. If beautiful it’s the aesthetic pleasure, pleasure causedby a superior sense (sight or ear) without desire, so the art will pass to be indeed (intransitively, clear) enjoyed (and not transitively enjoyed the usufruct of) in the opinion of kant… In this way it will be a sculpture without utility, servility, importance, without eroticism (of the body, of the animalism)… the nobility senses, if effectively superiors and if in fact free of desire, they don’t work conditioned, oriented, directed, controlled, by natural needs of the physiological world by the hungry and thirst of the animalism… No, they are windows of the rationality, doors of a world – Another, having a presentiment, imagined, invented, not excluded by the intelligibility. Free of the currents of the survival everything is intransitive, everything is autotelic, everything is lived in climax: we enter in a mystical marriage, announced in the wedding of Canã we live an eroticism purely of the soul of the wish, of freedom, we enjoy the Paradise in a Tabor immaterialized, made light, made form, we communicate ecstasies never dream, we see the sacralized Source de Duchamp in what the prisoners of survival see a banal urinal.


It’s this world – Another that we are trying visualization and visibility. Understanding easily, In the sculpture, the evolution of the figurative to the abstract, it becomes foreseeable, if not obvious, not the representation of the man’s body, sursueing following, yes, the soul, the unblinding of the still visible in the world of the bodies – shadows. … The sculpture continued, however serviceable, useful to another life, that isn’t its life (because isn’t from the Art), not having counted, on the contrary of the painting, with a Courbet that made appear “Studio of the sculptor”… But Rodin appeared and the “Door of the Tell” “Porta do Inferno”, crowned by “Three shadows” “Três sombras” – respectively “The Doors of the Paradise” “As Portas do Paraiso” and the “Allegory of the Cavern“ “Alegoria das Cavernas” giving light to the “Three Graces” ”Três Graças”. It’s, perhaps not by chance (?), this it’s the most necessary of the doors to transpose… to enter (we) in the artistic creation(s) of Pedro Figueiredo (who I suggest and I request the creation of the Door(s) of the Earth).
Doesn’t deceive, it’s a sculpture not conventionally, representative, without the ancients referents, models or motives. And I don’t say it’s only figurative because there aren’t only figures representatives but also submitted, including the geometrics, including those of formality, including those of creations… beyond of the created.


They are essays of limit sculpture. It’s the sculptor himself, in this intrinsic, to make – to communicate – to enjoy in a valuable autotelia.
It’s the excellence of to do aesthetic documented in plenitude, in the effect, in the plurivocal eloquence of the registers (of “regestures” excuse me the strategically mistake). In the useful (and more sharply in the utilitarian and still more in the utensil) it’s only important the cause final. But in the aesthetic work (artistic creation), in the poetics from the value is on heterogeneity, in the overall of the “faber” where nothing insignificant: there and above of the representation, the gestuality, the material and the formativeness, empathically in the sculpture in what the cause final is the sculpture.
Nowadays we have the conscience that more than to be beautiful it’s the art similar to the nature, truly beautiful, it’s the nature that is similar to the art. It’s this the lightning that obsessively through the sculpture of Pedro Figueiredo. Don’t pursuit the forms inato, created, formatted…-; search, yes, the forms of creation, of the create, of the form, of the formativeness, the forms formants… It’s know that isn’t creator that who copies the created, but who put the creation in act, that who reaches the power of create, as for us some appear from the nothing. It isn’t created who represents a world already view but who presents – by the first time, it’s clear – a world (or not so much, something) new.


I said – and I reaffirm – that the artistic creation of Pedro Figueiredo there isn’t conventionally figurative. But, to the evidence, there are so much the less there are abstracts… and still less labeled conceptual. The conceptual art privileges the conception in prejudice, above all, of the execution. Mean while it’s first of all, the eloquence ok making that invite us to the communion of the aesthetical pleasure at least, notoriously, in the free act, volunteer, creative of Pedro Figueiredo, conception deliberation, decision, and execution there is a fusion in the true simultaneity of the gesture formant. Their creations remember me Rodin… but also Renoir, Degas… Seurat and Van Gogh… and Matisse… more Giacometti and Calder… and, still more strongly, Brancusi… and the “Allegory of the Cavern”… To Platão, as we know, there are three beds, in an hierarchy descending: The idea of the man a need, part of animalism, the bed made by the joiner shadow of the idea (but utilizable not only to sleep…) and the image of the bed painted, which doesn´t consider the sculpted by the artist – shadow of shadow in this opinion. And in true, if it’s rigorous and exclusively the concept (the signification), or analogy in the highest grade, so has reason. Only that… We shouldn’t confuse survival and life and, so much the less, to reduce the Man to the animalism.” My bed is other” – It will say the Aesthete, even remembering of the “primum vivere….”.


In the line of Platão, it would have corresponding, to the bed, three tips of man: the Idea, of Man, created by God (formed or posterior to the original sin?); the concrete man, for instance: Platão (shadow of Adão, before to pick the fruit of knowledge ?): and the man painted or sculptured (image of Platão continued the example, shadow of the shadow?). The question is here. It will owe more than the art to the shadow or the shadow or the man to the art? “The art is the man” – It will say (me), receiving (my) total agreement. The art is precisely the man but in to produce neither determined nor conditioned by the natural world. It’s the act entirely voluntary of communicate, of produce objects without utility, without transitivity, without adjournment… but autotelic with function, therefore.
If beautiful is what gives pleasure by the superiors cleaned senses or purified of desire, then eyes – others are convenient, there are just need to appreciate the sculpture, reputation and especially from Pedro Figueiredo.

 

The idea (of Platão), Brancusi, materialized it, presented it as form, having passed the shadows to idea. It’s still or already the egg, even when already or still seems fish, bird, head... To Figueiredo, the idea it’s the sculpture itself, intransitive... proposing one another “allegory of the cavern” or allegory of a cavern – other, defying to discover the sculptures – shadows. We will see metaphors which utilize the human body. It isn’t the represented in perspective mannerist, they are the great feet (and great hands) eventuality of the own sculpture – itself, settled on the ground, but flying, getting away from (law of the) gravity. They are uncountable gestures – kisses, expression and formality in a gesture unified, etymological and semantically calligraphic. They are statues which reveal a look of eyes positioned at a ground level in hyperbolic perspective.


Realistically glued in the land from they were created, they have natural base (in…metaphoric prosopopeia) feet. Feet (or hands) enormous, if the first plane in that hyperbolic perspective, doesn’t belong to the human figure but Yes to the Art gained body, manifesting becoming visible.
We count the feet. Seeing that if the “opposites complementariness” they touch, it’s precisely by the feet that they merge in an only flesh, even in “rested”. It isn’t the sexual act represented. It’s the visualization of the pleasure without desire. Same make pots: others, liras; still others, artistic objects…. Pedro Figueiredo only sculpts. I discover that, after all “sculpt” may be rigorously an intransitive verb. Nothing less than Miguel Angelo, Marcel Duchamp he has reason, draw yourself what is more (matter, indigestion, weariness, or desire…) and we will see the Source.
It is.

Armando Azevedo, Lisbon, 2006

UM OUTRO LUGAR

Com ou sem explicações ou razões de ser no inumano, desumano ou humano, certo é que a escultura contemporânea não representa os filhos de Adão e Eva, nem masculinos nem femininos, se não em academismos, amadorismo, ou excepção. Já não se figura o homem para viver eternamente... nem para dominar infinitamente o mundo terreno. Já lá vai o tempo em que a idealidade helénica procurava esculpir o mais perfeito corpo para ser Deus ou herói, mas sempre modelo. Enterrado sob os escombros do Império Romano ficou a magia, ficou o poder da estátua conferiu o domínio imperial ou a nobreza ao retratado. Soterrados nas ruínas jazeram os retratos onde o naturalismo ( agora realista) conseguia deveras identificar a individualidade... (Que emocionante eloquência a de um patrício com bustos de antepassados, um em cada não!).

 

Renascimento é ressurreição do corpo – a alma não morre. Da quietude, serenidade, harmonia, equilíbrio do corpo partiu-se em busca da visualização da inquietude, do movimento, do desequilíbrio, da dinâmica da alma. Partindo-se da naturalista representação do corpo (visível), vai-se procurar tornar visível a (invisível) alma, fazer presente a abstracção, tornar apreensível, experienciável empírico, sensorial o espaço-tempo, já não insatisfatoriamente apenas inteligível, não apenas ideia a priori. Lembro o pertinente pensamento de Paul Klee: “A arte não representa o visível, torna visível”. Se belo é o prazer estético, prazer provocado por um sentido superior (vista ou ouvido) sem desejo, então a arte passará a ser deveras ( intransitivamente, claro) fruída (e não transitivamente usufruída) depois de Kant...

 

Fará, assim, sentido uma escultura sem utilidade, sem servilismo, sem importância, sem erotismo (do corpo, da animalidade)... Os sentidos nobres, se efectivamente superiores, e se de facto libertos de desejo, não funcionam condicionados, orientados, dirigidos, comandados, pelas necessidades naturais, do mundo fisiológico, pela fome e sede da animalidade... Não, são janelas da racionalidade, portas de um mundo – outro, pressentido, imaginado, intuído, não excluído pela inteligibilidade. Libertos das correntes da sobrevivência, tudo é intransitivo, tudo é autotélico, tudo é vivido em clímax: entra-se num casamento místico, anunciado nas Bodas de Canã, vive-se um erotismo puramente da alma, da vontade, da liberdade, goza-se o Paraíso num Tabor desmaterializado, feito luz, feito Forma, comungam-se êxtases nem sequer sonhados, vê-se a sacralizada Fonte de Duchamp no que os prisioneiros da sobrevivência vêem um banalíssimo urinol.
É deste mundo – outro que se vem tentando visualização e visibilidade.

 

Entendendo-se facilmente, na escultura, a evolução do figurativo ao abstracto, torna-se previsível, se não óbvia, a não representação do corpo do homem, perseguindo-se-lhe, sim, a alma, a desocultação do ainda não visível no mundo dos corpos – sombras.... A escultura continua, porém, serviçal, útil a outras vidas que não à sua (porque não à da Arte), não tendo contado, ao contrario da pintura, com um Courbet que fizesse aparecer “Estúdio do Escultor”... Mas apareceu Rodin e a “Porta do Inferno”, coroada pelas “Três sombras” – lembrando-nos, respectivamente “As Portas do Paraíso” e a “Alegoria da Caverna” dando luz às “Três Graças”. E, talvez não por acaso (?), é esta a mais necessária das portas a transpor... para entrar(mos) na(s) obra(s) de Pedro Figueiredo (a quem sugiro e peço a criação da(s) Porta(s) da Terra”).

 

Não nos iludamos, trata-se de escultura não convencionalmente representativa, sem os antigos referentes, modelos ou motivos. E só não digo que não é figurativa, porque não há apenas figuras representativas mas também apresentativas, incluindo as geométricas, incluindo as da formatividade, incluindo as da criação... para além das do criado. São ensaios de meta-escultura. É o esculpir em si, na sua intrinsecidade, o fazer-comunicar-fruir em valiosa autotelia. É a excelência do fazer estético documentado em plenitude, no efeito, na plurívoca eloquência dos registos (dos “regestos”, perdoem-me o estratégico erro). No útil (e mais acentuadamente no utilitário e ainda mais no utensílio) só importa a causa final. Mas na obra estética, na forma poética o valor está na heterogeneidade, na globalidade do “faber” onde nada é insignificante: alem e acima da representação, a gestualidade, a matericidade e a formatividade, empaticamente na escultura em que a causa final é o esculpir.


Temos hoje a consciência de que bem mais do que ser bela a arte semelhante à natureza, verdadeiramente bela, é a natureza que se assemelha à arte. É este o relâmpago que obsessivamente atravessa o esculpir de Pedro Figueiredo. Não persegue as formas naturadas, criadas, formadas...; busca, sim, as formas da criação, do criar, do formar, da formatividade, as formas formantes... Sabe que não é criador o que copia o criado, mas o que põe a criação em acto, o que atinge o poder de criar, na medida em que algo surge do nada. Não é criador o que representa (reapresenta) um mundo já visto mas o que apresenta – pela primeira vez, claro – um mundo (ou, ao menos, algo) novo.

 

Disse – e reafirmo – que as peças de Figueiredo não são convencionalmente figurativas. Mas, à evidencia, muito menos são abstractas... e ainda menos rotuláveis de conceptuais. A arte conceptual privilegia a concepção em detrimento, sobretudo, da execução. Ora, é, antes de mais, a eloquência do fazer que nos convida à comunhão do prazer estético. Pelo menos, muito notoriamente, no acto livre, voluntário, criativo de Pedro Figueiredo, concepção, deliberação, decisão, e execução fundem-se na verdadeira simultaneidade do gesto formante. As suas criações lembram(-me) Rodin... mas também Renoir, Degas... Seurat e Van Gogh... e Matisse... mais ainda Giacometti e Calder... e, ainda mais fortemente, Brancusi... e a “Alegoria da Caverna”...


Para Platão, como sabemos, há três camas, em hierarquia descendente: a Ideia de cama, criada por Deus, sendo no homem necessidade, parte da animalidade; a cama feita pelo marceneiro, mera sombra da Ideia (mas utilizável não só para dormir...); e a imagem de cama – pintada, que não considera a esculpida pelo artista- sombra da sombra, no seu parecer. E em boa verdade, se é rigorosa e exclusivamente o conceito (o significado) ou analogia no mais alto grau, então tem razão. Só que... Não se deve confundir sobrevivência e vida e, menos ainda, reduzir o Homem à animalidade. “A minha cama é outra” – dirá o Esteta, mesmo lembrando-se do “primum vivere...”. Na linha de Platão, haveria correspondentemente à cama, três tipos de homem: a Ideia de Homem, criado por Deus (anterior ou posterior ao pecado original?); o homem concreto, por exemplo, Platão (sombra do Adão antes de colher o fruto do conhecimento?); e o homem pintado ou esculpido (imagem de Platão continuando o exemplo, sombra da sombra?).

 

A questão está aqui. Deverá mais a arte à sombra do homem ou o homem à arte? “A arte é o homem” – dir(-me-)ão, recebendo (a minha) total concordância. A arte é precisamente o homem mas no fabricar não determinado nem condicionado pelo mundo natural. É o acto plenamente voluntário de comunicar, de produzir objectos sem utilidade, sem transitividade, sem adiamento... mas autotélicos, com função, portanto. Se belo é o que dá prazer pelos sentidos superiores limpos ou depurados de desejo, então uns olhos-outros são convenientes, são mesmo precisos para a apreciação da escultura, nomeada e particularmente de Pedro Figueiredo. A ideia (de Platão), Brancusi materializou-a, apresentou-a como forma, tendo passado as sombras a Ideia. É ainda ou já o ovo, mesmo quando já ou ainda parece peixe, pássaro, cabeça...

 

Para Figueiredo, a Ideia é a Escultura em si, ela mesma, intransitiva, em asidade... propondo uma outra “alegoria da caverna” ou a alegoria de uma caverna-outra, desafiando-nos a desembrulhar as esculturas-sombras. Veremos então metáforas que utilizam o corpo humano. Não é o representado em perspectiva maneirista, são os grandes pés (e as grandes mãos) eventualmente da própria Escultura – ela mesma, bem assente no chão mas voando, fugindo à (lei da) gravidade. São incontáveis gestículos-beijos, expressão e formatividade em gesto unificado, etimológica e semanticamente caligráfico. São estátuas que revelam um olhar de olhos posicionados ao nível do chão em hiperbólica perspectiva. Realisticamente coladas à terra de que foram criadas, têm naturalmente base, (em metafórica prosopopeia) pés. Pés (ou mãos) enormes, se em primeiro plano na tal hiperbólica perspectiva, não pertencem à figura humana mas Sim à Arte ganhando corpo, manifestando-se, tornando-se visível. Contemos os pés.

 

Vejamos que, se os “opostos complementares” se tocam, é precisamente pelos pés que se fundem numa só carne, mesmo em “repouso”. Não é o acto sexual representado. É a visualização do prazer sem desejo. Uns fazem panelas; outros, liras; ainda outros, objectos artísticos...Pedro Figueiredo apenas esculpe.Descubro que, afinal, “esculpir” pode ser rigorosamente um verbo intransitivo. Não menos que Miguel Ângelo, Marcel Duchamp tem razão: Tire-se o que está a mais (matéria, indigestão, fastio, ou desejo...) e veremos a Fonte. É.

Armando Azevedo, Lisboa, 2006