The work of Pedro Figueiredo is an act of resistance and also permanency. It is precisely for that grace and honesty with which faces a traditional language of the world of art as sculpture, in a time when many deaths are enacted through art. This kind of work is understood, somehow, as academic, it is almost an act of bravery when artistic practices are constantly redefined in the scenario of new technologies and other forms of production the image that results from the accumulation of his own and the loan collage. This contemporary cannibalism in which all aesthetic repertoires are misappropriated for the benefit of the "new work", it is not entirely a construction and operation of significance assumed by most artists. There are those who prefer, as is the case, the articulation of an imaginary own label. Something like the foundation of a personal alphabet crossed with the desire for uniqueness and rarity.

It is against this new paradigm of trading with acquis, where other proposals such as Figueiredo are located. This is a work that enjoys materiality, putting at stake speculation and formal element. All of his work, or so it seems, is pleasure of the physical management and emplacement. The sculpture, in the hands of the doer, acquires a monumental and playful character in time. It is a way to perpetuate the taste of a language when gastronomy art tends to be disfigurement and misappropriation of flavors.

Figueiredo manages to be in the center of his work, a rare tension between the dimensions of the classic and the contemporary. His pieces enjoy that place where art projects face, the evanescent and futile of the mirror of history. Some shared humor, also inhabits parts. The whole emphatic of all, becomes a kind of story in that, his characters come alive like in the theater every day. If you are capable you can set the mood to question the established and reflect the evident absurdity of our reality, something that could seriously disrupt the models of our attitudes that send us to the true maturity of reasoning and it cannot be denied the sense of humor that professes from these pieces, that is an attempt to rescue many of the senses to which art originated. Some of these works seem to exercise both the carnival and ethics and move between reality and fiction.

We discussed a proposal that, if we crave, could you read as an illustration of endless stories that are told by the fantasy literature. There is a drive declared in their fantasy creations. It seems as if the characters have been lost in the rare margin it dwells among the contingent of reality and profuse to the story world. However, a detailed analysis of his work reveals a timeless character eminently and it is not subject to time or to specific stories. It is as if his work will be located in a space of abstraction with respects to the surrounding world. There is a plasma in which these speculations rare and insinuating characters unleash an existence, which can be sacred and profane with the same level of loyalty and lust.

If on one hand it accuses those detailed observation signals; otherwise, in order of morphological examination, warns a dialectical relationship between vacuum and matter. The intrinsic possibilities of materials, dialogue between sculpture and non -sculptural objects, and the body as support and the idea of transformation are exposed that look nervous from the outside that lie and wait. These sculptural "categories", by which they can be put another way, are almost always present in the varied work of Pedro Figueiredo, although the purpose of their approach is to take their meanings to the limit and put into question the "category" that defines the language itself of classical artistic sculpture. Figueiredo is well aware of the limitations of his own language, so that your expectations are raised, the sculpture itself is re-configured and expanded. There is a constant game, almost all evil, from the object, it is reformulating and staging. There is a way to operate the matter that suddenly suggests his own density as well as its lightness. The ratio is encrypted, then with forces encountered, oppositely poled between the object the artist basks in its transience and his tenure as a radiographer of a real paradox.

The intangible takes shape, showing the existence of the material and its plasticity. It is a way of understanding what "Sculptural" means, in turn, it stimulates many associations and mental processes. The endless mental figures assist the process of understanding this work: from the seduction to madness.

A very interesting element Pedro Figueiredo which comes into play in all series of his work is colour. One touch of colour that makes the sort of element of digression and cohesion. The color is postulated as a kind of energy, focal point of an area and conflict/resolution. Such an introduction exerts a force visually that unifies and gives autonomy to all the pieces. All this is raised in such a transgressive gesture laden with irony: to stage a party, says, the organic sculpture. It is as if these colour elements restituted it, vivid sculpturally, it is meat, visceral, muscular part. That element is enhanced with intelligence in the dramaturgy of shapes and volume it interferes with the perception we have of his character.

Plasticity, ductile character of bodies and objects, is another sign of identity of their work that catches the attention and contrasts with the more orthodox sense of sculpture package. Instead of showing heavy volumes hieratic bodies or, these are presented in flexible end to almost a rare notion of eroticism. They can be bent, become hard objects and soft at the same time, expanded and nonliving entities. They are known for the next day and every day, here it becomes something strange, inappropriate, away from our environment, which causes a certain uneasiness, an inevitable smile at his subtle extravagance.

And I think this last word is key to understanding the Figueiredo universe. His sculture have a sense of substantive extravagance and rarity: an extravagant eroticism; a rarity that seduces and enchants. It's like a symptomatic loss of a role, a test of contorted positions and which no longer speaks or clothes the human body, but it creates other ways, other bodies, if you will. In that way, all the production of objects and volumes (present and absent), is an exploration constantly in the domain of the sculpture. The idea –is permanent - transformation, through all the proposals given regards with the process itself.

Attended is a repertoire of packages, anthropomorphic or new Ontological prefiguration’s. A map of new forms that can talk about what we are, that we think, we are or we could be. Some find it endearing, it defines this kind of living sculptures, which contrasts with the more grotesque - poetic of his contortions and movements. All these works have in common the use of the human body (metamorphosized untill the end), although it is never a purpose of psychoanalytic insight, as one might think at first. In the work of Peter Figueiredo, the body is a means, perhaps the expressive tool is accessible, but also, above all, as a support it represents the condition of the perishable and transient, and these are two fundamental concepts into understanding his work.

Sculptures are defined, have their own dynamics, the idea of the evanescent and the concrete, having perhaps some alteration of these forms is essential as the codes define what is meant by sculpture (sustainability, heritage, collective memory ... a series of concepts associated with the traditional idea of sculpture). To this the galloping must be added tension, eminently contemporary, between immateriality and material objectification. A sort of pact between being and being, soul and matter, presence and absence.

Finally , we note one of the most interesting features of the recent work by Pedro Figueiredo , is where the artist recognises himself as an indissoluble part of the amalgam , leaving the premises properly " sculpture " so that he often tends to dilute the identity of the doer, it is precisely his intention to shape the world from the articulation of a language and a subject to which many have decreed death in the corsage of counted languages of contemporary art .Therefore, again, the work of this artist is so unique and without a doubt an act of resistance and permanence. But above all, it is an act of faith.

Andrés Isaac Santana, Art critic and essayist, ArtNexus, Arte al Límite, El Nuevo Herlad, 2016


La obra de Pedro Figueiredo es un acto de resistencia y también de permanencia. Y lo es, precisamente, por esa gracia y honestidad con la que enfrenta un lenguaje tradicional del mundo del arte como es la escultura, en un momento en el que tantas defunciones se decretan al paso. Hacer ese tipo de obra, entendida, de algún modo, como academicista, es casi un acto de valentía cuando las practicas artísticas se redefinen constantemente en el escenario de nuevas tecnologías y otras formas de producción en las que la imagen resulta de la acumulación propias del collage y del préstamo. Ese canibalismo contemporáneo en el que todos los repertorios estéticos son usurpados en beneficio de la “nueva obra”, no es del todo una operatoria de construcción y de significación asumida por la mayoría de los artistas. Están esos que prefieren, como es el caso, la articulación de un imaginario de sello propio. Algo así como la fundación de un abecedario personal atravesado por el deseo de singularidad y también de rareza.

Es frente a ese nuevo paradigma de la negociación con el acervo, donde se ubican otras propuestas como la de Figueiredo. La de este es una obra que disfruta de la materialidad, de su puesta en juego como elemento de especulación formal. Toda su obra, o al menos eso parece, resulta del placer por lo físico, de su gestión y de su emplazamiento. La escultura, en manos de este hacedor, adquiere un carácter monumental y lúdico a tiempo. Es una manera de perpetuar el sabor de un lenguaje cuando la gastronomía del arte tiende a la desfiguración y malversación de los sabores.

Figueiredo gestiona, en el centro mismo de su obra, una rara tensión entre las dimensiones de lo clásico y de lo contemporáneo. Sus piezas disfrutan de ese lugar en el que el arte proyecta su rostro, evanescente y fútil, sobre el espejo de la historia. Cierta cuota de humor, también, habita en sus piezas. Y el conjunto enfático de todas ellas, deviene, así, en una especie de relato en el que sus personajes cobran vida como en el teatro de la cotidianidad. Si se puede definir el humor como algo capaz de poner en cuestión lo establecido y reflejarnos lo absurdo evidente de nuestra realidad, algo capaz de trastocar esos modelos de lo serio de nuestras actitudes para hacernos llegar, con ello, a la verdadera madurez del razonamiento, no puede negarse entonces el sentido del humor que estas piezas profesan en un intento por rescatar muchos de los sentidos originarios del arte. Algunas de estas obras parecen ejercicios de carnaval y de ética y se mueven entre la realidad y la ficción.

Hablamos de una propuesta que, si se nos antoja, pudiera leerse como la ilustración de infinitas historias antes contadas por la literatura fantástica. Existe una declarada pulsión fantasiosa en sus creaciones. Tal pareciera que sus personajes se hayan extraviados en ese raro margen que habita entre la realidad contingente y el mundo profuso del relato. Sin embargo, un análisis detallado de su trabajo nos desvela una obra de carácter eminentemente atemporal y sin ninguna sujeción a tiempos y a historias concretas. Es como si su obra se localizara en un espacio de abstracción respecto del mundo circundante. Un plasma de especulaciones en el que esos raros e insinuantes personajes dan rienda suelta a una existencia que puede ser sacra y profana con el mismo nivel de lealtad y de lujuria.

Y si por una parte la observación pormenorizada acusa esas señales; en otro sentido, en un orden de examen morfológico, se advierte una relación dialéctica entre vacío y materia. Las posibilidades intrínsecas de los materiales, el diálogo entre escultura y objeto no escultórico, el cuerpo como soporte y la idea de transformación quedan expuestas a la mirada nerviosa del que mira desde fuera y al asecho. Estas “categorías” escultóricas, por decirlo de algún modo, están prácticamente siempre presentes en la variada obra de Pedro Figueiredo, aunque la finalidad de su planteamiento sea la de llevar al límite sus significados y poner en cuestión la “categoría” misma que define la escultura como lenguaje artístico clásico. Figueiredo es muy consciente de las limitaciones propias del lenguaje, por lo que sus ejercicios se plantean, también, como ensayos de expansión y de re-configuración del mismo objeto escultórico en sí. Hay un juego constante, casi de todo perverso, respecto del objeto, de su reformulación y puesta en escena. Hay un modo de operar con la materia que de repente sugiere su propia densidad tanto como su ligeraza. Se cifra, entonces, una relación de fuerzas encontradas, de polos opuestos entre los que el objeto escultórico se regodea en su fugacidad y en su permanencia como radiografía de una auténtica paradoja.

Lo intangible toma forma, mostrándonos la existencia de unos personajes a partir de su presencia-ausencia. Así, la dialéctica entre materia y vacío –que aquí se transforma en la de presencia y ausencia – se corresponde con las posibilidades intrínsecas de los material y su plasticidad. Se trata de un modo de entender lo “escultórico” que, a su vez, estimula muchas asociaciones y procesos mentales. Resultan infinitas las figuras mentales que pueden asistir al proceso de entendimiento de esta obra: desde la seducción hasta la locura.

Un elemento muy interesante que Pedro Figueiredo hace entrar en juego en todas sus series de trabajos es el color. Un toque de color que hace la suerte de elemento de digresión y de cohesión. El color se postula como una suerte de energía, de punto focal, de zona de resolución y de conflicto. Tal introducción ejerce una fuerza visual que unifica y otorga autonomía al conjunto de las piezas. Todo ello, planteado en un gesto tan transgresor como cargado de ironía: el de escenificar una parte, digamos, orgánica de la escultura. Resulta como si esos elementos de color restituyeran lo vívido de lo escultórico, su parte cárnica, visceral, muscular. Ese elemento, potenciado con inteligencia en la dramaturgia de formas y de volúmenes, interfiere en la percepción que tenemos de esos personajes suyos.

La plasticidad, el carácter dúctil de los cuerpos y objetos, es otra señal de identidad de su trabajo que llama poderosamente la atención y contrasta con el sentido más ortodoxo de la escultura de bulto. En lugar de mostrar cuerpos hieráticos o volúmenes pesados, estos se presentan en extremo flexibles hasta rozar una rara noción de erotismo. Pueden doblarse, transformarse en objetos duros y blandos a un tiempo, en entidades expandidas e inertes. Lo conocido, por próximo y cotidiano, se convierte aquí en algo extraño, impropio, alejado de nuestro entorno, que provoca, a la vez que cierto desasosiego, una sonrisa inevitable ante su sutil extravagancia.

Y creo que esta última palabra es clave para entender el universo de Figueiredo. Sus piezas sustantivan cierta sensación de extravagancia y de rareza: un erotismo extravagante; una rareza que seduce y encandila. Es como una sintomática pérdida de rol, un ensayo de posturas antojadas y contorsionadas que ya no hablan ni visten al cuerpo humano, sino que crean otras formas, otros cuerpos, si se quiere. De tal suerte, toda su producción de objetos y de volúmenes (presentes y ausentes), supone una exploración constante en el dominio de la escultura. La idea –permanente- de la transformación, atraviesa toda su propuesta toda vez que esta reguarda también el propio proceso.

Asistimos a un repertorio de bultos antropomórficos o nuevas prefiguraciones ontológicas. Un mapa de nuevas formas que puede que hablen de lo que somos, de eso que pensamos que somos o que podríamos ser. Algo de entrañable define a esta especie de esculturas vivientes, que contrasta con lo grotesco-poético de sus contorsiones y movimientos. Todos estos trabajos tienen en común el uso del cuerpo humano (metaforizado hasta el extremo), aunque nunca con una finalidad de introspección psicoanalítica, como pudiera pensarse en un primer momento. En la obra de Pedro Figueiredo, el cuerpo es un medio, quizás la herramienta expresiva más accesible, pero es también, sobre todo, un soporte que representa la condición de lo perecedero y transitorio, y estos son dos conceptos fundamentales para entender su obra. Son esculturas que se definen, como indica su propia dinámica, por la idea de lo evanescente y de lo concreto, consiguiendo, tal vez, una cierta alteración de esas formas esenciales que definen los códigos de lo que se entiende por escultura (perdurabilidad, patrimonio, memoria colectiva... una serie de conceptos asociados a la idea tradicional de escultura). A esto hay que añadir la tensión galopante, eminentemente contemporánea, entre inmaterialidad y objetivación matérica. Una suerte de pacto entre ser y estar, alma y materia, presencia y ausencia.

Finalmente, hemos de señalar uno de los rasgos más interesantes del trabajo reciente de Pedro Figueiredo, en donde el artista se reconoce a sí mismo como parte indisoluble de esa amalgama, saliendo de las premisas propiamente “escultóricas” que hasta ahora suelen diluir muchas veces la identidad del hacedor, es, precisamente, esa intención de moldear el mundo desde la articulación de un lenguaje y de una materia a la que muchos han decretado muerte en el ramillete de los tenidos por lenguajes contemporáneos del arte. Por ello, insisto, el trabajo de este artista tan singular es, sin duda alguna, un acto resistencia y de permanencia. Pero es, por encima de todo, un acto de fe.

Andrés Isaac Santana, Art critic and essayist, ArtNexus, Arte al Límite, El Nuevo Herlad, 2016